Das Jahr 2010 ...

Pferd und Wasser

Thu, 16 Dec 2010 19:00:03 +0100

Eine Ausstellung von
Peter Afken Film und Zeichnung
Michael Baltzer Installation und Zeichnung
Josephin Böttger Film und Videoinstallation
Bertolt Hering Fotografie und Malerei
Volker Behrend Peters Malerei und Relief
Petra Schoenewald Objekt und Zeichnung

Pferd und Wasser erscheinen in der Ausstellung in verschiedenster Gestalt. Alles Leben kommt aus dem Wasser, eine Frau steigt aus dem Meer (Bertolt Hering) und überspringt damit sämtliche Evolutionsstufen. Das domestizierte Pferd trägt Polizei (Michael Baltzer) und befreit sich an anderer Stelle durch Galoppieren, jedoch als Humanoid (Josephin Böttger). Das einzig wahre Pferd ist plastisch und von Plastik umhüllt (Installation von Petra Schoenewald) und wird kombiniert mit dem Soundtrack einer Tonbandmaschine (Installation von Peter Afken). Wasser in wachsigem Aggregatzustand (Volker Behrend Peters) contra Eiswürfel, die ins Glas klirren.

Eddie Prévost

Tue, 14 Dec 2010 21:00:17 +0100

percussion and drums

Cofounder in 1965 of seminal improvising ensemble AMM – (a group which has included formally and informally trained musicians e.g. John Tilbury, Lou Gare, Cornelius Cardew, Keith Rowe, Christian Wolff and Rohan de Saram). AMM has performed worldwide and has an extensive discography. Prévost has also worked with numerous free-jazz and improvising musicians (e.g. Evan Parker, Marilyn Crispell, Jim O’Rourke, Paul Rutherford and Alexander von Schippenbach), with a number of younger musicians (e.g. Seymour Wright and Ross Lambert with whom he performs as SUM) as well as with musicians from other cultures (most notably Yoshikazu Iwamoto). He has also performed in the techno-ambient field (GOD, Main, EAR). And has played the »open-ended« compositions of Cardew, Wolff and Cage. During 1998 he made music music for The Merce Cunningham Dance Company during their London season. His first solo CD Loci of Change was released by Matchless Recordings (MRCD32) late in 1996. Later followed by Material Consequences and a tam-tam solo CD entitled Entelechy. He occasionally lectures and writes about music. His books No Sound is Innocent and Minute Particulars were published by Copula) in 1995 and 2004 respectively. In 2006 he edited: Cornelius Cardew A Reader. Since then he has published John Tilbury’s biography: Cornelius Cardew A Life Unfinished. Currently Prévost is completing a new book The First Concert which should be published early in 2011. Since 1999 Prévost has convened a weekly improvisation workshop in London. So far this has been attended by over three hundred musiciansm representing over twenty different nationalities. From this workshop many musical groups have emerged some with which Prévost also performs.

Monsters of FSK

Sat, 4 Dec 2010 18:00:17 +0100

10 Jahre Harald bei FSK …

Nika Oblak & Primoz Novak

Thu, 2 Dec 2010 19:00:03 +0100

»Absolutely Fabulous 4«

Fotografie, Video, mediale Installation

Die Arbeit von Nika Oblak und Primoz Novak erforscht-erkundet zeitgenössische Medien und Kapital-bewegte Gesellschaften. Mit Humor zeigen sie Parallelen zwischen der kommerziellen und der Kunstwelt auf. Oblak und Novak operieren in dem Grenzgebiet zwischen Realität und Fiktion, ihre Arbeit übernimmt gängige visuelle Taktiken und vereinnahmbare Wege der Massenmedien, die dort eingesetzt werden, um den Konsumenten zu übertölpeln. Oblak/Novak sind oft ihre eigenen Darsteller in immer wieder wechselnden Rollen. Die Spanne ihrer Arbeiten reicht von Video und Fotografie über Neue Medien bis zur Installation. In ihrer ersten Einzelausstellung in Hamburg zeigen sie eine Auswahl der letzten fünf Jahre.

Nika Oblak und Primoz Novak leben und arbeiten in Ljubljana, Slovenien. Sie arbeiten seit 2002 zusammen. Beide studierten an der Akademie der Künste in Ljubljana und der Hochschule der Künste in Berlin.

Tyrannen-Quartett II

Fri, 26 Nov 2010 20:30:29 +0100

Nach Tyrannen I, Seuchen, Rauschgift und Ungeziefer präsentiert
Weltquartett
auf vielfachen Wunsch den fünften Teil aus der Reihe »Geißeln der Menschheit«:

Mit der unvermeidlichen Fortsetzung des Tyrannen-Quartetts wächst das Sammelsurium der Bösewichte nun um weitere 32 Spielkarten an.

Gnassingbé Eyadéma, Muammar al Gaddafi, Kim Jong-il und viele weitere Politschurken, deren Abwesenheit im ersten Spiel von spitzfindigen Quartett-Enthusiasten stets so vehement kritisiert wurde, finden nun endlich Einlass in die Hall of Shame.

Zur Feier der Veröffentlichung lädt Weltquartett ins Westwerk zur großen TYRANNEN-QUARTETT-II-Release-Party! Mit Vortrag von Hintergrundinformationen und absonderlichen Episoden zu den abgebildeten Diktatoren, sowie filmischen Fundstücken aus dem Internet.

Außerdem: Gaddafi-Ähnlichkeits-Wettbewerb.
Fotoapparat mitbringen lohnt sich!

Marcel Mieth

Fri, 19 Nov 2010 20:00:03 +0100

»vielleicht könnt ihr mir sagen,  was ich meine«

Installation, Skulpturen

Ein Kratzer in einer Schallplatte, der die Nadel am Weiterlaufen hindert, ein welker Blumenstrauß, eine aufgeschnittene Lebenslinie …

Marcel Mieth, Mitglied der Berliner Künstlergruppe FMSW, geht in seiner ersten Einzelausstellung der zuversichtlichen Ratlosigkeit des Daseins auf den Grund. Die Fragestellung der 10-jährigen Gruppenarbeit: »Wo sind wir eigentlich?« projiziert er nun auf sich: »Wo bin ich?«

In Rückblenden, Erinnerungen, gegenwärtigen Bestandsaufnahmen sowie orakelnden Vorausschauen bekundet er sein Nichteinverstandensein mit der Geworfenheit in die Welt. Diese anzuhalten, um auszusteigen, wäre eine Möglichkeit. Doch die Ausstellung formuliert einen anderen Sound, einen zurückhaltenderen: »Ich werde in der Nacht aufstehen und stillschweigend, auf leisen Sohlen, die Welt verlassen« (Josef Winkler).

Josef Sünder

Thu, 18 Nov 2010 19:30:15 +0100

»Hörnumer Aussichten«

»Laut Statistik stieg die Zahl der Übernachtungen 2009 im Vergleich zum Vorjahr um fast 100.000 auf 468.306. Der südlichste Inselort arbeitet erfolgreich daran, sein Langweiler-Image abzulegen. Mit der Eröffnung des Budersand und der Appartementanlage Hapimag (an der Stelle des ehemaligen Kurhauses) im vergangenen Jahr hat die Moderne in der 1000-Einwohner-Gemeinde Einzug gehalten. Mit quaderförmigen Baukörpern und viel Holz an den Fassaden fügt sich die Architektur der beiden schicken Herbergen hervorragend in das traditionelle Ortsbild ein.«
(»›Sylts DDR‹ wird blühende Landschaft«,
Hamburger Abendblatt, 5./6. Juni 2010, S. 14)

Detlev Claussen

Tue, 16 Nov 2010 19:00:48 +0100

Vortrag und Diskussion

»Das Veralten der Kritischen Theorie. Ist Adornos kategorischer Imperativ, Denken und Handeln so einzurichten, dass Auschwitz nicht sich wiederhole, überholt?«

Kritische Theorie entstand seit der Mitte der Weimarer Republik als eine an Marx’ Kritik der politischen Ökonomie orientierte, gleichwohl gegen die Orthodoxie der Arbeiterbewegung argumentierende Denkrichtung. Seitdem der Erste Weltkrieg die Gewissheiten eines von KommunistInnen und SozialdemokratInnen angenommenen »Hineinwachsens in den Sozialismus« zerbrochen hatte, waren Zweifel an der Annahme einer quasi-automatischen Entwicklung zur sozialistischen Gesellschaft mehr als berechtigt. Der Krise von Theorie und Praxis in Westeuropa, sowie den gewaltsam beendeten revolutionären Aufständen in Berlin, München und Budapest 1918/19, stand der Erfolg der bolschewistischen Revolution – und ihre Beschränkung auf Russland – entgegen. Die damalige Frage war zum Einen, weshalb die Revolution nicht in den hochentwickelten kapitalistischen Ländern ausbrach, wo sie der Theorie nach hätte stattfinden sollen; zum Anderen galt es zu erfassen, warum der Sieg des Kommunismus im Osten gerade nicht mit einer Befreiung der Menschen und dem Ende der Unterdrückung einherging.

Zur Erklärung dieser gesellschaftlichen Konstellation begann innerhalb eines undogmatischen gesellschaftskritischen Denkens die produktive Auseinandersetzung mit der psychoanalytischen Theorie als Erweiterung der vorherrschenden, auf wirtschaftliche Vorgänge fixierten Analysen, wie sie die etablierten Arbeiterparteien vertraten. Getragen war diese Neuorientierung von der Erkenntnis, dass es nicht nur ökonomische Prozesse auf der Makroebene sind, die über die Erreichung oder Verfehlung emanzipatorischer Ziele entscheiden, sondern dass all zu oft die psychologische Konstitution der Subjekte das eigentlich hemmende und regressive Moment bildet.

Das Institut für Sozialforschung – Heimstätte der sich auf dieser Grundlage ausbildenden kritischen Theorie – wurde in den 1920er Jahren in Frankfurt am Main als interdisziplinäre Forschungseinrichtung von unabhängigen, der Gesellschaftstheorie verpflichteten WissenschaftlerInnen begründet. Zeitgleich begann der Siegeszug des Nationalsozialismus in Deutschland. Mit der Ernennung Adolf Hitlers zum Reichskanzler war das Ende der demokratischen Weimarer Republik besiegelt. Die aufziehende Tyrannei zwang die Mitglieder des Instituts und ihre MitstreiterInnen zur Flucht vor der einsetzenden politischen und rassistisch-antisemitischen Verfolgung.

Das Stigma des Gelben Sterns, das den Juden angeheftet wurde, ließ die diesem Terror Entronnenen nicht mehr los und wurde zum zentralen Beweggrund und Thema der Reflexion. Der Direktor des in die USA geflohenen Instituts, Max Horkheimer, reformulierte 1941 die gesamten inhaltlichen Koordinaten kritischer Theorie. Er diagnostizierte, dass die »alten Instrumente« der Erkenntnis nicht für die Gesellschaft hinreichten, die »angemessen« einzig »durch den Antisemitismus« zu erkennen sei. Der »Rückfall in die Barbarei« erschütterte jegliche vorher noch für unverbrüchlich gehaltenen zivilisatorischen Grundlagen. Mit ihnen zerbrach zugleich auch die Perspektive auf eine radikale und emanzipatorische Überwindung der bürgerlichen Gesellschaft.

Die Barbarei ihrer Gegenwart analysierten die kritischen TheoretikerInnen als das Resultat einer Selbstzerstörung der Vernunft, einer Dialektik der Aufklärung. Die Vernunft, so die These, habe sich in der modernen Gesellschaft aller inhaltlichen Maßstäbe entkleidet und sei in der streng rationalen Ausrottung von Millionen von Menschen in den deutschen Vernichtungslagern in den Dienst der absoluten Inhumanität getreten.

In den betriebsamen Nachkriegsjahren, in denen in Ost- und Westdeutschland die jeweiligen politischen Ordnungssysteme errichtet wurden, waren es vornehmlich Remigranten, die den Nationalsozialismus und seinen Kern, Auschwitz, in den Mittelpunkt ihrer Gesellschaftskritik stellten. Die Mehrzahl von ihnen – gleich welcher politischen Fraktion – waren jüdischer Herkunft, wie Max Horkheimer, Ulrich Sonnemann, Fritz Bauer, Hans Mayer, Peter Brückner oder Theodor W. und Gretel Adorno. Neben Horkheimer, der seine gesamten theoretischen Anstrengungen dem Andenken der Ermordeten zueignete, war es vor allem Theodor W. Adorno, dem Auschwitz zum Kernpunkt seines Denkens wurde. In der ›Negativen Dialektik‹ von 1966 formulierte er den kategorischen Imperativ, der explizit auf Kant und inhaltlich auch auf Marx verwies. Dieser besagte, dass den Menschen »im Stande ihrer Unfreiheit« aufgezwungen sei, »alles Denken und Handeln so einzurichten, daß Auschwitz nicht sich wiederhole, nichts Ähnliches geschehe«. Die Aufgabe der Philosophie nach Auschwitz bestünde darin, zu versuchen, das Leiden der in den Konzentrationslagern Ermordeten zur Sprache zu bringen, trotz der Unzulänglichkeit der Sprache angesichts des Unsäglichen. Mit der intellektuellen und lebensgeschichtlichen Aufnahme der Katastrophe von Auschwitz und der Platzierung in der Mitte der Theorie, unterscheidet sich kritische Theorie von allen Ansätzen, die mit dem Anspruch der Analyse der Gegenwart auftreten.

Fast zwanzig Jahre nach dem Tode des letzten Mitarbeiters des damaligen Instituts für Sozialforschung, Leo Löwenthal (1900–1993), widmen wir uns in zwei Veranstaltungen der Aktualität kritischer Theorie.

Katrin Bethge

Thu, 4 Nov 2010 19:00:11 +0100

Projektion und Zeichnung

Die Projektionen von Katrin Bethge verwandeln als temporäre Malerei die Oberflächen des Raumes, in den sie fallen. An der Straßenkreuzung, in der Galerie, in der Kirche oder auf der Bühne werden in Echtzeit dreidimensionale Materialen wie Wasser, Salz und Strukturen projiziert, die in Glasbecken direkt auf der Leuchtfläche des Overheadprojektors miteinander reagieren. Durch die mikroskopische Vergrößerung und Durchleuchtung der Materialien erscheinen die Orte durchlässig und geben den Blick frei auf eine flüchtige, poetische Welt der alltäglichen Naturprozesse.

Musik spielt in der Arbeit von Katrin Bethge eine wesentliche Rolle als ebenfalls in der Zeit ablaufende Kunst, die den Raum atmosphärisch auflädt. So gibt es einige feste Ensemblekonstellationen wie für diesen abend (Gregory Büttner, Stefan Funck), NYX (John Eckhardt, Sascha Demand), air & electricity (Robert Curgenven), tonaLux (Hannes Wienert, Marion Gretchen Schmitz), in denen Musik und Bild und mitunter auch Text synästhetisch zusammenfinden. Auch die Zeichnungen von Katrin Bethge lassen ein Zusammenspiel mit Musik sichtbar werden. Sie notieren grafisch Rhythmus und Struktur von Klängen in einer offen assoziativen Weise des Fließens der Linien im Blattraum.

Frank Reinecke & Helge Slaatto

Sat, 30 Oct 2010 20:00:27 +0200

Das Duo Slaatto Reinecke spielt Werke von vier profilierten dänischen Komponisten der Gegenwart. »Fuglens Flugt« ist ein »gedicht mit nicht«: Wer den Vogel fängt, fängt nicht den Flug des Vogels. Sprachmelodie und -rhythmus spielen eine große Rolle in der Musik von Rudiger Meyer. Dessen »Halflife« (Uraufführung) ist konstruiert aus 40 Umweltklängen, die mit Instrumentalklängen konfrontiert werden. Gegenseitige Übermalungen entstehen. Lars Klit, einst Rockgitarrist, der Komponist von Catwalk und der »Anatomisk Opera«, lässt bei »Kitsch« einen Kontrabassisten sein Ding machen. Das geht solange gut, bis der »Schweigende« auftritt …

»Zersplitterung ist nicht das Ziel« steht kryptisch über den beiden eindringlich kurzen »Conceptions« von Nicolais Worsaae, geisterhaft dramatische Geräuschmusik.
Die schillernd begabte Komponistenpersönlichkeit Morten Skovgaard Danielsen, »Grenzgänger« des dänischen Musiklebens: aus seinem hochexpressiven und extrem virtuosen Duo-Zyklus »Ought«, das der Komponist kurz vor seinem viel zu frühen Tode vollendete, die Uraufführung von »Marcia funebre No. 1 (for Jim Jarmush)« …

Frank Reinecke Kontrabass

Frank Reinecke ist Mitglied des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks und Interpret für zeitgenössische Musik als Solist und in verschiedenen Kammermusikensembles.

Helge Slaatto Violine

Helge Slaatto ist Professor für Violine an der Hochschule für Musik Münster, zuvor Konzertmeister des Odense Symphonie Orchesters, umfangreiche solistische Tätigkeit.

Birgit Brandis & Kathrin Haaßengier

Thu, 21 Oct 2010 19:00:27 +0200

bilateria

Malerei, Installation, Objekt

Birgit Brandis und Kathrin Haaßengier haben beide an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Prof. Gustav Kluge studiert. Im Spannungsfeld ihrer unterschiedlichen medialen Ausdrucksformen und künstlerischen Ansätze so wie deren Schnittpunkte realisierten sie bereits mehrere gemeinsame Ausstellungsprojekte. Beide leben und arbeiten in Hamburg.

Birgit Brandis inszeniert in ihrer Arbeit vor allem Fragestellungen, die um die Materie der Malerei selbst kreisen. Sie begreift Farbe als Material, als Energiepotential, deren freier Fluss sie durch formale Regieanweisungen eingrenzt und lenkt. Die Übergänge von Druckgraphik und Malerei sind in ihrem Werk fließend und greifen ineinander. Details aus belebter und unbelebter Natur oder Architektur fließen in ihre künstlerische Auseinandersetzung ein. Dabei bildet sie nicht ab, vielmehr sind ihre Bilder Abstraktionen und bildhafte Assoziationen von Alltagsbeobachtungen, die wie entfernte Erinnerungen in den Bildern aufscheinen. Ihre Arbeitsweise ist ein gezieltes, prozesshaftes Experimentieren, ein Spiel zwischen klar gegliederten Strukturen und frei ablaufenden Prozessen. Es sind Versuchsanordnungen innerhalb eines vorgegeben Rahmens, einer klaren Bildidee, die im Arbeitsprozess langsam und in vielen Schichten und Arbeitsschritten umgesetzt wird.

Im Zentrum der Arbeit von Kathrin Haaßengier steht die Auseinandersetzung mit körperlichen Empfindungen, Kreisläufen und Pulsschlägen. Dabei fließen Lebensimpulse in maschinenartige und dennoch organisch anmutende Gebilde. Aus Industriematerialien wie Schläuchen, Kabeln und Silikon sind organische Formen und kokonartige Gebilde modelliert. Zur Formgebung dienen dabei starre Trägermaterialien wie Holz oder Metall, welche die biegsamen, linearen Elemente halten und sie in die dreidimensionale Ebene als Zeichnung in den Raum führen. Die künstlichen, weichen Materialien wirken haptisch verführerisch und gleichzeitig abstoßend und verstärken den Eindruck von etwas Klinischem, Seziertem. Gezeigt werden Ausschnitte, Einschnitte in den Körper. Der Rhythmus der inneren Organe, das Rauschen des Körpers dringt nach außen. Strom- und Wasserkreisläufe, Bewegungen und Geräusche geben den Objekten einen Lebensimpuls, gehen unter die Haut und wecken elementare, leibliche Empfindungen.

kunstlabor #3

Sat, 16 Oct 2010 17:00:02 +0200

ein Kunstprojekt und eine Ausstellung mit Hamburger Schülerinnen und Schülern zwischen 13 und 16 Jahren – inspiriert durch die Poul-Gernes-Retrospektive in den Deichtorhallen Hamburg

Auch das dritte Kunstlabor in diesem Jahr ist eine Kooperation zwischen den Deichtorhallen Hamburg und dem Westwerk Hamburg unter der Leitung von Sabine Flunker und André Lützen.

Wir möchten durch das Kunstlabor den Jugendlichen zeitgenössische Arbeiten »begreifbar« machen, sie ermutigen, sich einen eigenen Zugang zu den ausgestellten Werken und so zur zeitgenössischen Kunst zu erarbeiten.

Die Jugendlichen aus verschiedenen Schulen und Stadtteilen können ohne bewertenden Druck künstlerisch tätig sein und es werden verschiedene Ausbildungsmöglichkeiten im kreativen Bereich aufgezeigt. Sie können selbstständig und eigenverantwortlich agieren und den künstlerischen Prozess von der Ideenfindung bis zum Ausstellungsauf- und Abbau mitgestalten.

Über die Auseinandersetzung mit der Ausstellung »Poul Gernes – Retrospektive« in den Deichtorhallen können eigene Ideen entwickelt werden und daraus eigene Werke entstehen. Am Wochenende werden die Arbeiten im Westwerk gezeigt und stehen dann in direkter Korrespondenz zur Ausstellung in den Deichtorhallen. Diese Arbeiten in einem etablierten Ausstellungsort zu zeigen, bedeutet für die Jugendlichen eine Aufwertung ihrer Arbeiten. Die jungen Künstler sind während der Ausstellung anwesend und können ihre Erfahrungen weitergeben.

Der Arbeitsprozess und die Entstehungsphase sind im Kunstlabor von entscheidender Bedeutung. Dieser Prozess wird auch diesmal über eine täglich aktualisierte Webseite transparent gemacht.

Arbeitsverlauf und Ausstellung der ersten beiden Kunstlabors können noch einmal nachvollzogen werden: Das erste Kunstlabor fand im Januar 2010 zur Ausstellung von Katharina Fritsch statt, das zweite Kunstlabor im August 2010 zur Ausstellung »White Bouncy Castle« (Installation von William Forsythe, Dana Caspersen und Joel Ryan).

Not yet titled

Thu, 7 Oct 2010 19:00:46 +0200

Ein Ausstellungsprojekt von Studierenden und Absolventen der FH Bielefeld, Fachbereich Gestaltung/Fotografie

Anja Schäfer, Cem Kozcuer, Christina Lux, Conrad Müller, Gruppe 117, Hermann Wendler, Jasmine Shah, Jenny Endom, Judith Michel, Katrin Kamrau, Marc Marcquardt, Maria Sturm, Markus Klingenhäger, Matthias H. Risse, Nicolai Rapp, Robert Schlotter, Sara Lena Maierhofer, Sarah Berger, Stefan Törmer, Steffen Bunte, Tim Hölscher

Begleitet wird die Ausstellung von einer Auswahl aus Publikationen des Instituts für Buchgestaltung an der FH Bielefeld.

Ausgehend von der Reflektion historischer und gegenwärtiger Ausstellungskonzepte sowie deren Rezeptionsgeschichte sind in den Seminaren curated by (ss 09) und groupshow (ws 09/10) an der FH Bielefeld verschiedene kuratorische Strategien und Verfahren vorbereitend für eine Ausstellung mit Arbeiten Studierender und Absolventen der FH Bielefeld benannt und untersucht worden.

Thematische Komplexe dieser Untersuchungen bildeten die unterschiedlichen inhaltlichen und formalen Maßgaben und Lesarten von Ausstellungen als: Moment des Zeigens, Ort der Vermittlung, Thesenillustration, Bedeutungsproduktion, Ordnungssystem, Werk oder Medium, welches sich selbst zum Inhalt macht. Weitere Aspekte waren die Rolle des Kurators, die Bedeutung der Institution, die Funktion von Displays und Inszenierungen sowie das Verhältnis von Produktion und Rezeption in ihren jeweiligen Wechselbeziehungen.

Die von einer studentischen Jury (unter Beteiligung von Friederike Fast, MartA Herford, und Goesta Diercks, Kunsthaus Hamburg) ausgewählten Arbeiten versammeln zumeist Auszüge aus fotografischen Serien unterschiedlichster Herkunft, die im Kontext der Ausstellung die Abstraktions-, Repräsentations- und Reflektionspotentiale des Mediums vermitteln, und den Komplex des »Ausstellens« bildgebend und nicht zwingend motivgebend behandeln.

In der Ausstellung zu sehen sind u.a. Arbeiten von Tim Hoelscher, der in seiner Diplomarbeit »Albanische Landschaften« albanische Bunker zu Lochkameras umfunktioniert hat; »Mondscheinkinder« von Christina Lux, die ein Spezifikum des Mediums Fotografie, die Lichtempfindlichkeit, an einer eindrücklichen Arbeit über Menschen mit der Diagnose XP (Xeroderma pigmentosum) spiegelt, die aufgrund eines Gendefektes das UV-Licht meiden müssen; Markus Klingenhäger »Dark White«, einer Arbeit über Native Americans, die in der Verschränkung von im dokumentarischen Duktus inszenierten Portraitaufnahmen und klassischen Architektur- und Landschaftsaufnahmen den Identitätsverlust und die Entwurzelung der Native Americans in einer von den Werten und Traditionen des weißen Amerikas dominierten Gesellschaft beschreibt und zugleich auf die Ambivalenz der Dokumentarfotografie verweist.

Arina Antonova & Maximus Chatsky

Tue, 28 Sep 2010 19:00:10 +0200

CapeBaseFate

Video/Audio-Installation

Ein beinahe märchenhafter Ort auf der Halbinsel Krim (Ukraine) wird porträtiert – ein Kap, umgeben vom Schwarzen Meer.

Durch die Natur in Grenzen eingeschlossen verbirgt sich hier außerdem eine Militärsiedlung der russischen Flotte. Seine Bewohner bedienen den 1816 erbauten Leuchtturm und scheinen abgetrennt und isoliert vom Rest der Welt zu leben. Die auf den ersten Blick in sich abgeschlossene Realität enthält durchaus universell geltende Bezüge – auch hier werden Kinder geboren, Feste gefeiert, über Politik diskutiert … Trotzdem scheint hier die Zeit stehen geblieben. Die in den 50er Jahren erbauten Wohnhäuser der etwa 120 Siedlungsbewohner werden immer mehr von der Natur erobert, das Meer rückt näher heran. Junge Leute verlassen die Siedlung, um in der Ferne ihr Glück zu suchen. Überall auf der Welt werden Leuchttürme zu Touristenobjekten umgebaut. Das Schicksal der Bewohner ist unentschieden und hängt von den politischen Beziehungen zwischen der Ukraine und Russland ab.

Aus der Faszination für den noch existierenden idyllischen Ort ist eine Video/Audio-Arbeit entstanden. Die beiden russischen, aus der Ukraine stammenden Künstler Antonova aus Sewastopol und Chatsky aus Odessa haben die Stimmung des Ortes in Bildern und Geräuschen eingefangen.

Isabell Kamp

Thu, 16 Sep 2010 19:00:06 +0200

Auch morgen keine Experimente

Malerei

Die Arbeiten handeln von der prozesshaften Auseinandersetzung mit zwischenmenschlichen Erfahrungswerten, Normen und Gesten. Sie verstehen sich nicht als Portraits existierender Personen, sondern als Abbild situationsbedingter psychischer Äußerungen und Konflikte, ausgelöst durch das individuelle Verhalten innerhalb unserer Gesellschaft. Die sowohl autobiografischen als auch externen motivischen Anleihen der Inhalte werden zur Projektionsfläche der Erfahrungen und Bedürfnisse der Betrachter.

Die Malerei versteht sich als gemalte und genähte Collage von Acrylfarbe und unterschiedlichen Stoffen. Diese verweisen durch den Rapport der verschiedenen Musterungen auf die sich permanent selbst wiederholenden Verhaltensweisen und Denkstrukturen der Generationen und der einzelnen, privaten Person. Das realistische Inkarnat der Figuren kontrastiert malerisch sowohl optisch als auch inhaltlich zur Umgebung; Mensch sein als Diskrepanz zur Umwelt: zwar unlöslich eingebettet in die jeweilig eintretende Situation und dabei doch die Eigenständigkeit und Abgegrenztheit bewahrend.

Tag des offenen Denkmals

Sun, 12 Sep 2010 09:03:58 +0200

Vortrag und Führung mit Bruno Brandi,  mit historischen Fotos der Firma Michaelis & Co.

Die Altbauten auf der Fleetinsel wurden zwischen 1787 und 1913 errichtet. An diesem einzigartigen Gebäudeensemble aus der Zeit vor dem Bau der Speicherstadt ist der damalige Weg des Warentransports noch ablesbar. Noch vor 20 Jahren waren die Gebäude von Abrissplanungen bedroht, weil hier ein Parkplatz entstehen sollte. Durch Bewohnerinitiative und das überzeugende Konzept eines Investors wurden sie gerettet und zwischen 1989 und 1996 restauriert und umgenutzt. Der Architekt Bruno Brandi hat vor 20 Jahren die Umnutzung und eine behutsame Modernisierung der unter Denkmalschutz stehenden Gebäude geleitet und wird zusammen mit dem ehemaligen Bewohner Alexander Zimmermann durch einen Teil der Gebäude führen und aus Anlass des diesjährigen Mottos auch Bilder aus dem Arbeitsprozess des dort von 1885 bis 1962 ansässigen Papiergroßhandels Michaelis & Co. zeigen.

Miriam Jarrs

Fri, 3 Sep 2010 11:04:53 +0200

Echoes on the golden edge

Malerei

Echos künden davon, dass es etwas gibt, was das Ausgesandte zurückwirft. Es scheint wahllos reflektiert zu werden, aber es könnte auch ein Innehalten geben, einen Moment der Klärung und des Filterns, bevor vielleicht nur das Wesentliche als Echo zurückgeworfen wird. Mit ihren Bildern begibt sich die – hauptsächlich in London vertretene – Hamburger Malerin Miriam Jarrs auf den Weg zur »golden edge«, in den Grenzbereich zwischen der Wirklichkeit und deren Abbild. Sie führt an diesen Ort des Zerfallens und des – eher seinem Wesen nach – Wiederzusammengesetztwerdens.

Was ist die Geschichte dahinter?

Die Künstlerin legt mit ihren Bildern eine Spur zu autobiografischen Geschichten, die in einer entrückten, halluzinogenen Welt ihren Ausdruck und ihre Entwicklung finden. Sie führt Charaktere und Landschaften ein, die – der assoziativen Logik eines Traums folgend – immer wieder auftauchen und ihre eigenen Geschichten erzählen. Betrachtet man alle Bilder zusammen, bilden sie ein Epos, ein Labyrinth aus all diesen Erzählungen, die alle miteinander verbunden sind.

Da ist das elektrische Pferd, das erstmals in »gleaming.h.« beim Ausbruch eines Sturmes einen Menschen beobachtet, der sich selbstvergessen einem weißen Geriesel hingibt; da wehen gespreizte Blumen erregt Flüssigkeiten von Bild zu Bild und hinterlassen eine Aura der Sexualität; da sind stille Meere, glühend ruhige Milchigkeiten, die geborgen vor einem dunklen Himmel simmern. Und da sind immer wieder die Wälder, diese stillen Orte der Möglichkeiten und Verflechtungen, der gebundene Bäume, die von der Anwesenheit von etwas Unsichtbarem künden. Unheimlich, rätselhaft, poetisch und magisch.

Miriam Jarrs’ Umgang mit Farbe verstärkt noch den Eindruck des Unwirklichen. Sie kombiniert Einfaches mit Kompliziertem, stellt feinste, leuchtende Lasuren neben breite, schlichte Pinselstriche, erzeugt samtige, dreidimensional wirkende Oberflächen und erinnert an die profane Zweidimensionalität der Leinwand durch das scheinbar wahllose Herunterlaufenlassen der Farbe über eben diese Partien. Dunkelheiten kehren sich in Licht, Licht konzentriert sich, bis es zerbirst, sich fort trägt in Landschaften ohne Horizont, mit Horizont, der sich auflöst, Proportionen verschieben sich … all das, während eine trotzdem manchmal fast kontemplativ anwesende Ruhe in den Bildern vermittelt: Es ist alles o.k.

Die Künstlerin bedient sich der visuellen Metapher um die Verbindung zwischen dem Persönlichen und dem Universellen aufzuzeigen. Es geht um Fragen wie das Verhältnis zur Natur, das Verhältnis zueinander, es geht um Erinnerungen und den Umgang mit Erfahrungen, um die Gleichzeitigkeit von Schönheit und Zerstörung, von Sehnsüchten und Entzauberungen. Das Bild ist frei. Es kann das Mögliche und Unmögliche miteinander verbinden und so das Bewusste und Unbewusste gleichzeitig aufzeigen.

kunstlabor #2

Fri, 20 Aug 2010 17:00:02 +0200

In einer Kooperation zwischen Deichtorhallen Hamburg und Westwerk e.V. wird sich das zweite kunstlabor in diesem Jahr mit dem »White Bouncy Castle« beschäftigen.

Dozenten: Sabine Flunker (Illustratorin und Bühnenbildnerin) und André Lützen (Fotograf)

Die Installation »White Bouncy Castle« des Choreografen William Forsythe ist eine rund 30 Meter lange und 11 Meter hohe Hüpfburg in Form eines Schlosses aus weißem Plastik, aufgepumpt mit Zinnen und Türmen. Die Burg nimmt vom 13. August bis 12. September 2010 den ganzen Raum der großen Deichtorhalle ein und lässt die Besucher zu Mitspielern werden.

Direkt neben dieser riesigen weißen Burg wird das Kunstlabor eingerichtet. Zum Abschluss der Projektwoche werden die Arbeitsräume in einen Ausstellungsraum verwandelt und die Jugendlichen haben die Möglichkeit, ihre Arbeiten und Objekte zu erläutern und durch ihre Ausstellung zu führen, die in direkter Korrespondenz zur »großen« Ausstellung steht.

Das kunstlabor möchte Jugendlichen zeitgenössische Kunst »begreifbar« machen, sie ermutigen, sich einen eigenen Zugang zur zeitgenössischen Kunst zu erarbeiten. Dieses Projekt möchte Jugendlichen einen Raum außerhalb ihres gewohnten Aktions- und Lernradius bieten. Jugendliche aus unterschiedlichen Hamburger Stadtteilen, aus unterschiedlichen Schulformen mit unterschiedlichem sozialem Hintergrund werden zusammen gebracht.

Die Jugendlichen haben während einer Woche den Raum und die Zeit, eigene Ideen und Projekte für eine Ausstellung zu entwickeln und zu erarbeiten. Der Arbeitsprozess und die Entstehungsphase sind hier von entscheidender Bedeutung. Die entstandenen Werke in einem etablierten Ausstellungsort zu zeigen, bedeutet für die Jugendlichen eine Aufwertung ihrer Äußerungen und Arbeiten und versteht sich als ernstzunehmender Beitrag zur zeitgenössischen Kunst.

»Sobald man das Schloss betritt, hat der Tanz schon begonnen.« (William Forsythe)

Ragani Haas & Annika Unterburg

Thu, 19 Aug 2010 19:00:14 +0200

THE HOURS ARE BETTER

Zeichnung, Objekt, Video, Performance

So unterschiedlich die künstlerischen Methoden auch erscheinen mögen, ist doch eine subtile Art von Verwandtschaft sichtbar. Das gilt insbesondere für beider Zeichnungen, in denen Situativität, Gelände und Subjekt eine Rolle spielen.

Für Ragani Haas (*1969, Stuttgart), von der Performance kommend, ist die Zeichnung ein intimer Begleiter. Mit Kugelschreiber, Bleistift, Tinte und zuweilen auch Aquarell tastet sie nach den Phänomenen des Prozesshaften und der Flüchtigkeit von Handlungsverläufen, Bewegung, Verkettungen. Oft fungieren ihre graphischen Äußerungen im Sinne eines weit gefassten, durch das Subjekt gefilterten Regiebuchs für Aktionen und räumliches Arbeiten. Dieses Assoziationskonglomerat aus Territorium, Situation und Körper erscheint humorvoll, nicht ohne physische Panik und mit surrealistischem Touch.

Annika Unterburgs (*1978, Bielefeld) Zeichnungen entstehen aus einem Drang des Forschens. Zeichen, die aus Gedanken entstehen, die etwas übersetzen, etwas greifbar machen, das allerdings nie nützliches Resultat ist. Ausgehend von zeichnerischen Assoziationsketten entstehen Collagen wie auch Objekte, die in ihrer fragilen Materialität oft den Charakter des Temporären in sich tragen, mit einer entsprechend großen Spannung. Landschaften, Naturphänomene und organische Sensationen werden in dieser Welt ebenso neu kombiniert wie das Thema des Reisens und die Erfahrung zweier gegensätzlicher Kulturkreise.

Eine Ausstellung mit dem Charakter eines Festes voller Überraschungen.

kATTWYk/Grollace & Vomit

Sat, 17 Jul 2010 20:30:10 +0200

kATTWYk sind vier Hamburger, die die meiste Zeit ihres Lebens immer irgendwie mit Musik zu tun hatten. Seit Mitte 2009 machen sie gemeinsam Stücke.

Der Sound platziert sich mühelos im wohl nicht mehr abreißenden 80er-Revival heutigen Indie-Rocks. Dabei legen kATTWYk allerdings Wert auf dramatische Arrangements, die auch mal in Dreivierteltakten schwelgen. Dann wird es plötzlich chansonesk. Und tief melancholisch ist es sowieso permanent.

Die Texte sind auf Deutsch, damit man sie versteht. Meistens geht es gleich ums große Ganze. Lyrisch verstiegen, dunkel, dabei nie verlegen um griffige Parolen — hier wird das Politische mit dem Privaten auf frappierende Weise verschliffen. Am Ende hört es sich an, als hätten Peter Hein, Sven Regener und Blixa Bargeld zusammen Songs geschrieben, nachdem sie die Asche von Georg Trakl geschnupft haben. Haben sie aber nicht.

Das Ungeziefer-Quartett

Fri, 16 Jul 2010 20:30:29 +0200

Nach »Tyrannen«, »Seuchen« und »Rauschgift« präsentiert
Weltquartett
brandaktuell den vierten Teil aus der Reihe »Geißeln der Menschheit«:

mit sensationellem Kakerlaken-Rennen

Unter strengster Beachtung der Tierschutzgesetze benutzt Weltquartett lästige Parasiten als wehrloses Spielzeug und versammelt die fiesesten Schädlinge in Garten, Haus und Haar auf 32 Spielkarten: Fliegen, Mücken, Schaben, Läuse, Wanzen, Käfer, Motten, Flöhe, Milben und Zecken.

Ein Riesenspaß für Phobiker und Hypochonder!

Zur Feier der Veröffentlichung lädt Weltquartett ins Westwerk zur großen UNGEZIEFER-QUARTETT-Release-Party! Mit fundierter Einführung in die Welt der Sechs- und Achtbeiner, gruseligen Kurzfilmen von, mit und über Ungeziefer — und dem Live-Höhepunkt:

einem sensationellen Kakerlakenwettrennen.

16 Rennkakerlaken haben sich für die Endrunde qualifiziert und werden sich im Verlauf des Turniers durch Gruppenphase, Viertel- und Halbfinale bis zum furiosen Finallauf kämpfen. Schabenfreude garantiert!

Kyo-Cha-Ro (Kreuzung)

Thu, 1 Jul 2010 19:00:12 +0200

Malerei, Rauminstallation, Skulptur, Video

Dae Seon Seo Fotografie
Eun Sook Kim Installation
Jeong Eun Lee Installation
Hye Yeon Park Fotografie
Min Chul Song Malerei und Video
Seung Won Park Video und Installation
So Hyun Jung Videoperformance und Installation
Young Jin Song Objekte und Installation

Das koreanische Wort »Kyo-Cha-Ro« bedeutet »Kreuzung« und gleichzeitig »zeitgenössische Tendenz«, »Fusion« oder »Hybrid« und umreißt das Konzept der Ausstellung, deren Arbeiten im Spannungsgefüge zwischen asiatischer und europäischer bildender Kunst angesiedelt sind. Aus diesem Dualismus entwickeln die acht Künstler ihre Positionen. Alle acht Künstler sind in Korea geboren und aufgewachsen, haben in Korea studiert und sind nach Deutschland gekommen, um in Hamburg an der HfbK ihr Studium fortzusetzen, und haben sich hier kennen gelernt.

Dae Seon Seo (*1972) vollzieht in ihren Fotoarbeiten eine Entwicklung nach, die seit Beginn der Moderne in der Malerei eine Rolle spielte, nämlich die Loslösung von der Illusion der Räumlichkeit zu Gunsten einer »wahrhaftigeren« Flächigkeit. Ihre Fotografien, die verschwommen oder gelegentlich geradezu abstrakt wirken, weisen daher zum Teil malerische Qualitäten auf. Das flächige Motiv nähert sich der Fotooberfläche.

Eun Sook Kim (*1978) thematisiert die uns umgebende und allgegenwärtige Schrift; sei es in Form von Zeitschriften und Büchern, vor Allem aber von Werbung oder auch Kontoauszügen. Mit Methode — manchmal auch auf fast subversive Weise — destabilisiert sie allerdings die etablierten Bedeutungen der Worte und die Systeme, in denen sie normalerweise zu funktionieren haben, und hinterfragt damit in immer wieder überraschender Art und Weise gewohnte Sehweisen und Denkmuster.

Jeong Eun Lee (*1969) verleiht in ihrer Arbeit der Zeit und dem Prozess des Erinnerns eine bildnerische Form. Ihr zentrales Medium ist das Buch, dessen Gestalt sie vielfältig variiert und zum Beispiel durch ein Videoskizzenbuch oder — ganz traditionsbezogen — durch eine ostasiatische Querrolle repräsentiert wird.

Hye Yeon Park (*1976), ihre Fotoarbeiten lenken den Blick beiläufig ins Abseits, wo die Künstlerin scheinbar zufällig zum Teil Rätselhaftes, teilweise auch Unheimliches hinter der Fassade des Alltäglichen aufspürt. Der oft sehr begrenzte Ausschnitt und die Wahl ungewöhnlicher Blickwinkel bewirken beim Betrachter eine gewisse Desorientierung, eröffnen ihm aber auch eine Perspektive auf das Unbewusste und Verborgene hinter dem Gewöhnlichen.

Min Chul Song (*1976) hat eine Bildsprache gefunden, in der Malerei, Foto und Video einander bedingen. Aus den Wechselbeziehungen zwischen den Medien und aus ihren jeweiligen technischen Möglichkeiten entwickelt er seine Bildideen. Er zeichnet sich selbst beispielsweise beim Malen eines Bilds auf. Das Video zeigt die Realität als Negativ, nur das gemalte Bild erscheint positiv. Das in der Ausstellung gezeigte Gemälde entpuppt sich schließlich als Negativ.

Seung Won Park (*1982), seine Arbeiten — Performances und Installationen, in denen Videoaufzeichnung der Performances integriert sind — kreisen um das Thema Individuum im Allgemeinen und um seine Person im Speziellen und sind auch eine Art Selbstbefragung. Durch den Kunstgriff der Verkleidung und des Rollenwechsels schafft er immer wieder neue Konstellationen um die Kernfrage »Wer bin ich?«.

So Hyun Jung (*1982) befasst sich in ihren Fotoreihen und Videoarbeiten mit dem Variieren des Themas Stilleben, wobei sie sowohl die klischeehaften und symbolträchtigen Requisiten als auch die Gestaltungsmittel mit Betonung aufs Notdürftigste reduziert, wodurch sie trotz aller Künstlichkeit eine sehr gegenwärtige Anmutung erzielt. »Als Performerin agiere ich in einer Video-Installation. Die Performance besteht darin, dass ich versuche, aus sechs Stühlen ein perfektes Dreieck zu bilden, abwechselnd aus der Perspektive einer Beobachtungskamera und aus der Perspektive der Stühle. Auf einem Monitor kann das Publikum in einem halbminütigen Rhythmus eine Liveübertragung und eine ältere Aufzeichnung der Performance verfolgen — wobei bei der Aufzeichnung das Publikum fehlt. Das eigentliche Thema der Installation ist also der Wechsel zwischen Anwesenheit und Abwesenheit bei der scheinbar ununterbrochenen Übertragung der Performance auf dem Monitor.«

Young Jin Song (*1979), der Bildhauer inszeniert mit viel Fantasie und Liebe zum Detail mehrdeutige, dreidimensionale Miniaturwelten, die er mit äußerst realitätsnah ausgeführten Figuren bevölkert. Zwar orientieren sich seine an atmosphärischer Aura reichen Modellwelten an realen Vorbildern, sie erfahren aber durch gezielte Auslassungen und den ihnen eigenen Charme des Provisorischen eine Wendung ins Irreale.

Jessica Halm

Fri, 18 Jun 2010 20:00:39 +0200

Chateau d’Halm

Nach einem strengen Konzept entstanden in den letzten zwei Jahren zwanzig großformatige Gemälde. Zehn weiblichen Portraits werden zehn »Gestecke« gegenübergestellt.

Die Portraits wirken wie Inszenierungen aus einer mythologischen Welt. Die Figuren sind einerseits Superheroinnen und andererseits aus dem alltäglichen Umkreis der Künstlerin. Aus der Faszination für die Hofmalerei und der damit einhergehenden Präsentation von Macht, Einfluss und Überfluss finden sich in den Malereien sowohl der „Hofstaat“ als auch ihre »Privatarmee«. Die weiblichen Wesen imponieren durch ihre physische Präsenz und schwebende Abgerücktheit. Sie sind lebensgroß und halten Blickkontakt. Damit begegnen sie dem Betrachter ebenbürtig und sind ihm gleichzeitig ausgeliefert.

Die »Gestecke« sind in der Sprache von Stillleben nachempfundene Mutanten, die Einzug in die persönliche Welt des Chateaus der Künstlerin gefunden haben. Diese wie künstliche Wesenheiten anmutenden Dekorationen sind Ausgeburten zivilisatorischer Phänome und gesellschaftlicher Einflussnahme. Sie unterstreichen die gewollte Selbstdarstellung und haben die unterschiedlichsten symbolischen Bedeutungen.In ihrem Aufbau greifen sie das Konzept der Symmetrie auf, die in der menschlichen Wahrnehmung neurophysiologisch tief verankert ist und sich auch in der evolutionären Entwicklung bei den meisten lebenden Organismen wiederfindet. Auch in der Gegenüberstellung der Portraits und der Gestecke wird diese Symmetrie von Halm aufgegriffen.

Begleitend enstand zu den Bildern eine Sammlung mit kleinformatigen Arbeiten als ein zusätzlicher Bestandteil der Ausstellung.

Dem »CHATEAU D’HALM« ist nicht zu entkommen!
Es ist bunt und schrill, zart und schwülstig, schön und hässlich, liebevoll und böse zugleich.

Mariahilff

Fri, 4 Jun 2010 21:00:07 +0200

LARS RUDOLPH (Gesang, Trompete)
HERMANN HERRMANN (Mandoline, Gitarre)
BORIS JOENS (Mandoline, Gitarre)
OLE WULFERS (Mandoline, Säge)
RONALD GONKO (Bass)

Auch im Irrsinn steckt viel Ernsthaftigkeit und Poesie. Der Beweis: Lars Rudolph, als Schauspieler schon ein ganz besonderer, immer sehenswerter Fall, der jetzt musikalisch noch eins draufsetzt. Nachdem er im Westwerk vor Jahren schon mit »ich schwitze nie« aufgetreten ist, führt er mit seiner neuen Band MARIAHILFF nun vor, wie sich knallige, fast schon expressionistische Texte mit schräg-schönen Melodien verbinden lassen.

Gemeinsam mit den Mandolinen seiner Musiker, einer singenden Säge und der klagenden Trompete krächzt, flüstert und schreit er sich durch metaphernschwere Texte. In Wort und Bild zitiert er Grenzgänger wie Klaus Kinski, Helge Schneider und Rio Reiser. Seine Musik wandelt zwischen Element Of Crime, Costello und den Einstürzenden Neubauten.

Die Besetzung allein ist schon verwegen, nur Saiteninstrumente und dazu eben Rudolphs Trompete und seine Stimme. Die Band spielt eine wilde Mischung aus Stilen, Genres, Zitaten. So vieles klingt an, Folklore vor allem. Mal glaubt man, sizilianisches Volkslied herauszuhören, mal etwas undefinierbar Osteuropäisches, dann schon wieder Tango oder aber einen Verweis auf Brecht und Weill.

Und wann, so fragt man sich, hat man das letzte Mal so etwas gehört, hat jemand auf so einfühlsame und direkte Art die menschliche Natur besungen?

Nina Venus

Thu, 3 Jun 2010 19:00:17 +0200

Wolkenbilder

Überirdisch ist der Himmel seit jeher und den Menschen Projektionsfläche für innere Bilder und Sehnsüchte.

Nina Venus malt Himmelsbilder seit über 10 Jahren. In den großformatigen, noch in den USA entstandenen Gemälden hält sie die Tiefenwirkung des Blaus und die Materialität der Bilder in Balance, indem sie rohe Leinwand stehen lässt. In ihren neuen Himmelstücken sucht sie die Grenze zwischen orientierungsloser Fläche und den Wolken, die erst Perspektiven ermöglichen, neu auszuloten:

»Die Wolken sind wie Zeichen zu lesen«, schreibt Nina Venus. »Sie markieren bildlich die Grenze zwischen Raum und Nicht-Raum. Für mich ist der Himmel mit der Sprache seiner Wolken wie ein visueller Text zu lesen.«

Gruppe Laura

Thu, 27 May 2010 19:00:13 +0200

Akademie der bildenden Künste München, Klasse Prangenberg

Sonja Allgaier, Frank Balve, Aurelie Dupin, Matthias Hirtreiter, Leonid Hrytsak, Luisa Kock, Carmen Schaub, Chao Song, Laura Stracke, Yurika Tahara, Matthias Wurm, Verena Zanner, Kirsten Zeitz, Pio Ziltz, Max Zuzak

Inszenierung

»Gruppe Laura«, eine Formation der Klasse Prangenberg der Akademie der Bildenden Künste München, hat sich mit dem Thema Barock beschäftigt. Am Eröffnungsabend findet der Besucher zentral im Raum einen Banketttisch, an dem die Studenten ein performatives Schauessen veranstalten. Das Essen oder Am-Tisch-verharren unterliegt einem festgelegten Regelwerk. In Intervallen werden Fragmente aus barocker Dichtung und Musik vorgetragen. Ein Teilnehmer am Tisch bricht mit der homogenen Masse und zeichnet teilnahmslos und unentwegt. Die Aktion wird aufgezeichnet. An den nächsten Ausstellungstagen werden die Aufzeichnungen projiziert und treten in Kontext mit dem verlassenen Tisch und der übrigen Austellungssituation (Fotos, Skulpturen, Video).

Katrin Connan & Renata Palekcic Pasel

Thu, 20 May 2010 19:00:43 +0200

»Du und Ich im Dickicht«

Installation

»Du und ich im Dickicht« ist der Stand der Dinge eines Bildwechsels zwischen Renata Palekcic Pasel und Katrin Connan, das Dokument eines Zeitpunkts, an dem das geteilte Atelier nach einem verabredeten Prozess über ein halbes Jahr zugewuchert ist. Es sind provisorische, fragile Einrichtungen aus Zeichnungen, Malereien, skulpturalen Fragmenten und Materialresten, die im Raum des Westwerks neue, temporäre Installationen bilden, indem sie sich in seine spezielle Architektur einnisten. Bilder werden durch die neue Konfiguration aus ihren Rahmen gelöst, bekommen einen anderen Bezug, verbinden sich zusammenhängend zu Raumbild und Bühne.

Ausklang Blurred Edges 2010

Sat, 15 May 2010 20:30:36 +0200

Tintin Patrone
»Krachboxen«

Tintin Patrone präsentiert mit neuer Besetzung die Modelle der ZTT-Serie, minimal-elektronische 2-Tasten-Instrumente (Krachboxen Marke Eigenbau).

»Daraus folgt also, dass eine unbestimmte Musik nur zu einer Katastrophe führen kann. Diese Katastrophe haben wir zugelassen. Dahinter war der Klang — und alles war vereinigt.« (Morton Feldman, 1985)

Margitt Holzt
»blurred edges Remix«

Ab ca. 22 Uhr werden die Vinylmusiker von Margitt Holzt die Westwerk-Bar mit einem Remix aus den Konzertaufnahmen von blurred edges 2010 beschallen.

Open end.

ensemble Intégrales

Sat, 15 May 2010 19:00:35 +0200

»Traces of China«
Wu Wei (Sheng)
Barbara Lüneburg (Violine)
Sonja Lena Schmid (Violoncello)
Jonathan Shapiro (Schlagzeug)

Als ensemble Intégrales 2007 nach Konzertreisen in die Mongolei, nach Kasachstan und in den Iran seine CD »Traces of Asia« auf den Markt gebracht hat, wurde schon über eine Fortsetzung dieser Serie nachgedacht, die nun in Form einer Zusammenarbeit mit dem chinesischen Sheng-Spieler Wu Wei und dem Dresdner Festival »Global Ear« realisiert werden konnte. Neben der Integration eines chinesischen Instruments in das europäisch besetzte ensemble Intégrales wird es zwei weitere interkulturelle Kombinationen geben:

Der Hamburger Komponist Sascha Demand hat für Sheng und Schlagzeug ein filigranes Werk geschrieben, in dem er die außergewöhnliche Klangsprache und Artikulation des chinesischen Blasinstrumentes mit patterns und komplexen rhythmischen Verläufen verbindet.

Der Gast des ensembles Wu Wei ist wiederum nicht nur als Interpret, sondern auch als Komponist beteiligt. Er hat mit den MusikerInnen ein Werk erarbeitet, das er selbst als »Kompovisation« bezeichnet: Eine Mischung aus notierter Komposition und Improvisation, wobei neben der Sheng das chinesische Saiten-/Schlaginstrument »Ghuzeng« zum Einsatz kommt, das von einem der Ensemblemitglieder erlernt wurde und gespielt wird.

Innerhalb dieses aktiven interkulturellen Arbeitens nehmen die Kompositionen der drei chinesischen Komponisten Huang Ro, Fang Man und Guoping Jia eine weiterführende Rolle ein. Alle drei Komponisten leben in den USA und Europa und sind somit in ihrer Musiksprache vom »Westen beeinflusst«. Hier knüpft die konzeptionelle Fragestellung der »Traces«-Serie an: Inwieweit verfügen die Kompositionen der asiatischen Komponisten über eine kulturelle und nationale Identität, die sich in ihrer jeweiligen Musiksprache niederschlägt? Sowohl beim Erarbeiten der Werke, als auch beim Hören wird man zu einem Wanderer zwischen den Welten und Sprachen, die sich, je tiefer man eindringt, in ihren jeweiligen identitätsstiftenden Details offenbaren. Der mit diesem Programm konzipierte kulturelle Dialog und Diskurs zwischen Asien und Europa eröffnet Blickwinkel auf Kulturen, die im alltäglichen und sogenannten »globalisierten« Kontakt verborgen bleiben.

»Schwingende Systeme« 2

Fri, 14 May 2010 11:36:50 +0200

Hanna Hartman (amplified objects)
»glücklich auf dem Weg nach unten« — Die Komponistin und Klangkünstlerin führt ihre Komposition für verstärkte Objekte mit starkem Abwärtsdrang auf.

Lucio Capece (soprano saxofon, bass clarinet)
Birgit Ulher (trumpet, radio, mutes, speaker)
Das Duo improvisiert mit klassischen Instrumenten, aber ganz neuen Spieltechniken. Das Saxofon wird präpariert mit Plastikflaschen, Tischtennisbällen, Papier und elektronischen Aufbauten. Ulher erweitert die Trompetensounds mit Radiorauschen, Metallfolien und Dämpfern.

Das Synthetische Mischgewebe (electro-acoustic, amplified objects)
Das Synthetische Mischgewebe operiert im Bereich zwischen Installation und Konzert, zwischen musique concrète und Improvisation.

Christoph Schiller (spinett)
Michael Maierhof (cello)
Heiner Metzger (soundtable)
Der Pianist Christoph Schiller überträgt die Flügel-Innenraum-Techniken auf das Spinett und entwickelt es zu einem ganz neuen Klangkörper. Michael Maierhof arbeitet an der Verknüpfung von schwingenden Systemen und präpariertem Cello. Mit den elektronisch verstärkten Klängen von Haushaltswaren und Küchengeräten improvisiert Heiner Metzger auf dem soundtable.

Außerdem Videos von
Jürgen Albrecht

Oszillator#06

Sat, 8 May 2010 21:00:37 +0200

Konzert zeitgenössischer und improvisierter Musik  in einer Rauminstallation
Gene Coleman (Bassklarinette)
Naoko Kikuchi (Koto)
Michael Maierhof (Cello)
Naomi Sato (Sho)
Kazuhisa Uchihashi (E-Gitarre)
Viola Kiefner (Rauminstallation)

Für das Konzert sind die gebürtigen Japaner Naomi Sato, Kazuhisa Uchihashi und Naoko Kikuchi, sowie der in Philadelphia lebende Gene Coleman eingeladen. Zusammen mit dem Komponisten Michael Maierhof und der Künstlerin Viola Kiefner verbindet Coleman die Energie und den Erfahrungshintergrund von japanischen und europäischen Musikern für eine Erkundung des globalen Wandels, der unsere Welt radikal und nachhaltig verändert. Seinem Interesse für die japanische Kultur und die Beziehung zwischen Musik und Architektur folgend untersucht Coleman die Räume zwischen Hören und Sehen und lässt neue Betrachtungen über eine globale Kultur in seine Musik-Video-Arbeiten einfließen. Auf dem Programm stehen neben präzis notierten Kompositionen freie Improvisations-Sets.

Gemäß des Konzepts der Oszillator-Reihe liegt der zweite Schwerpunkt im interdisziplinären Zusammenwirken von Musik und Raum. In der Rauminstallation werden mittels skulpturaler Objekte akustisch-visuelle Situationen ausgelotet, die im Gegensatz zur nicht begrifflichen Struktur von Musik eine bildlich-thematische Darstellung ermöglichen.

»Schwingende Systeme« 1

Sat, 1 May 2010 21:30:40 +0200

Jessica Rona (viola)
Die amerikanische Bratschistin spielt ein spätes Solostück von Iannis Xenakis und Michael Maierhofs »splitting 15« mit bearbeiteten Klängen von berstenden Flaschen aus einer Mineralwasserfabrik.

Ofer Bymel (drums)
Gregory Büttner (electronics, objects)
Das israelisch-deutsche Duo verbindet Improvisation, Elektroakustik und vibrierende Objekte.

Jonathan Shapiro (drums)
In »Laplace Tiger« von Alexander Schubert steuert der Schlagzeuger Video und Ton durch die von Sensoren und Videokamera erfassten Bewegungen.

LORIS
Patrick Farmer (objects, e-bow, snare, tapes)
Sarah Hughes (chorded zither, e-bow)
Daniel Jones (turntable, piezo discs, electronics)
In den reduzierten Improvisationen arbeitet das junge britische Trio mit natürlichen Objekten (Zweige, Steine), fieldrecordings, turntable und Zither.

Außerdem »musikalische Videos ohne Ton« von
Jürgen Albrecht

Nora May Klumpp & Maria Tobiassen

Thu, 22 Apr 2010 13:37:01 +0200

»Noodle-Formationen —  Antwort der Körper«

Beim Projekt »Noodle-Formationen« handelt es sich um eine gemeinschaftliche Arbeit der Künstlerinnen Nora May Klumpp und Maria Tobiassen. Insgesamt entstanden in dem kooperativen Arbeitsprozess sechs verschiedene Skulpturentypen, allesamt aus dem Aquafitnessgerät »Poolnoodle«, einem ca. 1,60 Meter langem Polyethylenschlauch.

Ähnlich wie die Werkstücke von Franz Erhard Walthers 1. Werksatz sind alle Objekte so konzipiert, dass sie be- oder besser genutzt werden können. Je nachdem ob sich die Rezipienten als Betrachter oder Handelnde verstehen, können die Objekte als Minimal-Skulpturen und Readymades wahrgenommen oder eben als Kostüme bzw. Schwimm- und Sportgeräte erlebt werden.

Die Erprobung der Objekte im Schwimmbad lotet auf humorvolle Weise aus, inwieweit aus alltäglichen tatsächlich ästhetische Erfahrungen werden können und ob künstlerische Praxis auch jenseits von Atelier, Galerie und Museum möglich sein kann. Die individuelle Erfahrung mit dem (ästhetischen) Objekt spielt dabei eine ebenso große Rolle wie der Austausch mit den anderen Teilnehmern. In diesem wechselseitigen Prozess fungiert die Poolnoodle als mediales Verbindungselement zwischen white und wet cube, so dass auch konzeptionelle und theoretische Aspekte des Projekts keine trockene Angelegenheit bleiben.

Operation Ton4

Fri, 16 Apr 2010 16:49:10 +0200

Wer ein Teil der digitalen musikalischen Zukunft bleiben will, heißt es, muss sie selbst in die Hand nehmen. Aber wie denn, wenn ich (f/m) Urheber und Musiker, Verkäufer und Hersteller, Vertreiber und Verbummler in einem bin? »Muss ich jetzt alles selber machen?«, »Bin ich Motor oder Bremse?«, »Woher kommt die Kohle?«, »Lohnt sich eine GEMA-Mitgliedschaft überhaupt noch?«, »Bin ich das kreative Modul von Morgen?«.

Auf Operation Ton von RockCity Hamburg e.V. präsentieren und diskutieren sechs namhafte Prediger und Predigerinnen aus Hamburg, Berlin, New York und Tunesien zu den akutbösen und kontroversen Themen: Musik, Urheberrecht, Film, Kunst und Raum. Im ersten Darkroom für Musikschaffende und Verwerter zeigen wir mit Kopfprogramm und interaktiver Musik- und Filmperformance Menschen, die sich für ihre Sache auf die Schienen legen. Motto: Keep Hamburg Weird. Zielgruppe: (f/m) Sounddesigner, Komponisten, Textdichter, Musiker, Maler, Netzlabels, Hörfunker, Filmer, Raumsucher, Journalisten und Sympathisanten.

Abendprogramm: ab 21:30 Uhr

Halma
Me Succeeds
The Innits

Sunday Service Labelabend:
unabhängig, hausgemacht, mikrokosmopolitisch

De fofftig Penns & Übergangsregierung

Fri, 2 Apr 2010 20:30:18 +0200

De fofftig Penns (DFP)

»machen plattdüütsch-angetrashtes voll-auf-die-zwölf Elektro/Hip-Hop-Geschranze. Es geht um drei bannig kommodige Jungkeerls aus ursprünglich Bremen-Vegesack und umzu (jetzt Berlin und Hamburch), also Nordlichter direktemang ausm Deich, die die Verbreitung ihrer Lieblingssprache Plattdeutsch als geniale Rechtfertigung erdacht haben, um auf der Bühne durchdrehen zu dürfen. Computermusik trifft auf Reime, die sich vom Niveau her hinter einem Klaus Groth (1819—1899) oder einem Fritz Reuter (1810—1874) nicht verstecken müssen.

Kommodige Jaykopp schmeißt von Achtern digge Beats aus seiner elektronischen Schreibmaschine in den Raum, trägt eine Diskokugel nicht nur im Herzen, sondern auch auf dem Kopf, und produziert bassig-wuchtigen Sprechgesang. Riemelmeester Malde legt darauf seinen berüchtigt-fransigen Wortteppich, krakeelt ins Megaphon, entlockt seinem Synthesizer mächtige Klänge und hüpft dazu. Plietsche Torbän hat einen IQ von nicht weniger als 127, kann als einziges Bandmitglied wirklich singen, ist sehr schmuck und hämmert mit seiner freien Hand auf Becken oder Drummachine, in der anderen parkiert er derweil die Zigarette, die er am Schmöken ist.

Manch einem wird die eine oder andere Melodei bekannt vorkommen, Hauptsache es geht nach vorne, wummert, macht Krach und/oder Spaß. Das Ganze ausschließlich auf Platt und unter dem knackigen Motto ’n beten scheef hett Gott leev. DFP ALTA!«

Lisa Busche, Brigitte Conesa & Susann Körner

Thu, 1 Apr 2010 19:00:51 +0200

»Caprice des Dieux«
[Religion 12.12.2, Super 23.8.14]

Die Ausstellung »Caprice des Dieux« kombiniert Arbeiten der Künstlerinnen Lisa Busche (Köln), Brigitte Conesa (Nîmes) und Susann Körner (Hamburg).

Sie alle nutzen Worte als Grundlage oder Ausgangspunkt ihrer Arbeit, abstrahieren sie entweder inhaltlich oder formal, so dass lediglich Text-, Wort- oder Buchstabenfragmente übrigbleiben. Die aus dem Alltag entnommenen Gegenstände, wie Auberginenschalen, um Buchstaben zu formen oder Kassenbons, um Gedichte zu erstellen, entfalten eine ganz eigene Poesie. Vermeintlich archäologische Fundstücke und Formfragmente an Wänden deuten Geschichten an. Doppeldeutigkeiten entstehen.

Hinter dem Titel der Ausstellung verbirgt sich ein einfacher französischer Käse, dessen Eintrag in einem Kassenbonwortschatz zu finden ist. Schlagen Sie nach unter Religion 12.12.2 und Super 23.8.14. Spuren, Zeichen, ein Abdruck an der Wand – doch wohin dies führt, sehen Sie am besten selbst!

Lisa Busche:

Mein Ausgangspunkt für die Ausstellung im Westwerk ist ein Wort, dessen Buchstaben jedoch soweit abstrahiert wurden, dass lediglich auf die Wand aufgetragene Formfragmente übrig bleiben. Diese umrahmen vermeintlich archäologische Fundstücke, bei denen es sich jedoch um im Herstellungsprozess der Malerei anfallende Reste handelt. Diese unterschiedlichen malerischen Spuren erzählen eine geheime Geschichte — von jenseits des Meeres …

Brigitte Conesa:

Im Westwerk stelle ich Impressionen und Formen aus, die ich realisiert habe, indem ich von Resten ausging. Auberginenschalen werden zu Buchstaben, die Worte selbst umgewandelt in fotokopierte Fotografien, diese wiederum untereinander kombiniert. Monotypien auf Papier, deren wiederholte Gesten (Umrisse der Hand, Spuren der Presse) Folgen ungeordneter Variationen ergeben.

Susann Körner:

Kassenbons, diese kleinen Papierstreifen und ihre Restsprache, bedingt durch die EDV-Erfassung, sind mein Quellenmaterial. Aus ihnen erstelle ich Reime, abstrakte Geschichten oder Texttafeln und Sinnblöcke und interpretiere damit eine sprachliche Welt neu. Diese sind als Bilder und Tableaus zu sehen, als Kassenbon-Installation und auch zu hören in einer Lesung.

Helgoland & FUO

Fri, 26 Mar 2010 20:30:47 +0100

»Freundinnen und Freunden des Spannungsfelds von Entertainment und Kunst wird — dem mürben Trott des Immergleichen entgegnend — das Hamburger Paket FUO + HELGOLAND wärmstens ans Herz gelegt!

Einerseits als verspieltes Quintett, andererseits als Cut-Up-Montage-Trio und weiterhin gänzlich instrumental zugange, präsentieren beide Feuilletonlieblinge, im üppigen Gewächshaus zwischen Pop und Experiment gärtnernd, jeweils knackfrische Tracks nebst gereiftem Frühwerk; schillernde Volldampf-Instrumentierung und bizarre Arrangements …

Swingende Rock-Avantgarde inklusive Cello und Klarinette, Vibraphon und Fußorgel, Glockenspiel und selbstverständlich betörende Rhythm-Sections: Ohrwurm-Völlegefühl für Brain, Bauch und Bein garantiert!«

Mathias Deutsch & Misha Shenbrot

Thu, 18 Mar 2010 19:00:03 +0100

»Schwarze Pyramide, Ameisen und Hasardeure«

Eine Begegnung zweier Künstler aus der gleichen Stadt — Berlin — aber aus unterschiedlichen, sich fremden Kulturkreisen über das Medium Papier- und Film-Collagen.

Misha Shenbrot, geboren, aufgewachsen und als Künstler ausgebildet in Russland, erforscht das weggeworfene Kulturgut seiner Fremde — Berlin —, erfindet eine rhythmisierte, fließend-musische Bildsprache als engmaschig visuelle Gedichte zwischen der Borges’schen Freiheit der Imagination und der Versklavung der Banalität.

Mathias Deutsch, geboren in Deutschland, aber aufgewachsen in Ghana und Portugal, hat auf Reisen durch verschiedene Länder (Mexiko, Guatemala, Brasilien, Spanien, Ghana, Nordafrika) den Alltag beobachtet und scheinbar »primitives« Kulturtreibgut gesammelt, um von seiner Fremde zu berichten, und vom blasphemischen Witz der Globalisierung.

Beide Künstler verfahren sehr verschieden, sowohl in ihrer Technik als in der Optik ihrer Arbeiten, generieren aber einen spannenden Dialog im sonst recht vernachlässigten Medium Collage. Das lyrische Recycling ihrer gefundenen Materialien schafft eine erstaunlich frische Bildsprache, einen surrealen und bissigen Pidgin-Kommentar zum Thema Bilderflut und Kulturpsyche.

Misha Shenbrot zur Ausstellung im Westwerk  im März 2010

Im Sommer 1942 wurde das Wohnhaus in der Calle Garay abgerissen. Mit seiner 19. Kellertreppenstufe verschwand auch das Aleph, der Ort, an dem, ohne sich zu vermischen, alle Orte des Erdenrunds sind, von allen Ecken aus gesehen.
Später begriff ich, dass die Schwindel machende Fülle dessen, was sichtbar war, wie die Scheibe eines Spiegels eine Unendlichkeit von Dingen war, weil ich sie aus allen Ecken des Universums anschaute … ich sah ein silbriges Spinnennetz inmitten einer schwarzen Pyramide, ich sah ein aufgebrochenes Labyrinth … ich sah alle Spiegel des Planeten, doch reflektierte mich keiner. Was meine Augen schauten, war simultan …
Im März 2010 wird dieses faszinierende Phänomen im Westwerk in den papiernen Bildern und Projektionen von Misha Shenbrot wieder in Erscheinung treten, wird das Aleph wieder auftauchen.
Alle Lampen und Leuchten, Quellen des Lichts werden im Westwerk versammelt sein!
Jorge Luis Borges (1899—1986)
Misha Shenbrot

Mathias Deutsch zur Ausstellung im Westwerk  im März 2010

… Nehmen das Skalpell und holen uns die Kontinente näher heran, schneiden ein Stück Meer heraus und setzen es an anderer Stelle wieder ein und trennen dadurch Welten. Mitten im Dschungel glühen plötzlich Kronleuchter auf. Es ist Nacht und ein goldener Mond wird ausradiert, gebleicht und umgehängt in die afrikanischen Savannen. …Im Nachmittagsschlaf hingemäht eine ganze Bauern- und Erntengesellschaft, einem Schnitter lauschend, verwandelt in einfache Holzkreuze, und die Waldung, die im Hintergrund wartet ist schon hingemäht von einem Asteroiden mit Schweif aus Wasser und Gummi Arabicum. … Vom Klu Klux Klan bemalte Neger — oder sind es Egerländer Volksmusikanten? — spießen ihrerseits mittelalterliche Putten vom fahlen Himmel auf. Eine einzelne Hand, die aus dem Meer ragt, kann das alles aber nicht sehen. … Aphrodite unter der lampenschwarzen Sonne nimmt sich eines fremden Stammes an. Mit Kauderwelsch gefüllte Heißluftballons schweben und lassen Fürze in den eddinghaften Morgennebel. … Auf der anderen Seite des neu gestalteten Globus kommt eine Flotte mit suprematistischen Geheimwaffen zurück in die nördliche Hemisphäre, wo die Surfer schon auf ihren Boards warten, um auf einer lackierten Welle ungeheuren Ausmaßes auf den Strand zuzurasen. Männer und Frauen mit tätowierten schwarzen Quadraten, auf Adrenalin und Malevitsch. …Elefanten wird der Stoßzahn ausgerissen und vom Wilderer fortgeschleppt, damit sich aus kürbisgroßen Nasenlöchern die Rotze ausschaben lässt. … Eine winzige Eule zittert in der Hand eines Jungen und überall sprießen, strahlen aus dem geborgten Bildraum. … Blaue Kugel in der Hand – eine reine Ozeanwelt — Vogel auf der Schulter. Die Stirn eine Abschussrampe in ein anderes persönliches Universum aus Teer und Federn. … Was die Augen nicht sehen, müssen die Brüste ertasten. Die Blicke zu den Ahnen sind Schnüre, an denen Ameisen sich entlang hangeln. … Die Hüte der Hasardeure schwimmen den Fluss hinunter. In London starrt der tote Henry James auf ein Gemälde neueren Ursprungs. …Auf der ganzen Welt werden Menschen aufgeknüpft, die es noch nicht einmal aus ihren Pyjamas geschafft haben. … Den falschen Engeln in ihren Heimatikonen sind die schönsten Bärte und Hautkrankheiten angeklebt. Einer geht ins Wasser, da jemand dafür einen schönen und sonnigen Tag erfunden hat. … Der erste Orgasmus im Gehirn eines kleinen Jungen ergoss sich über eine nach Rosenwasser duftende Stewardess, mit schönem, streng gekämmtem Haar, als sie sich über ihn beugt mit Spielzeug und Schokolade. … Im äthiopischen Hochland nehmen die Menschen Motten und Falter und lassen sie an Schnüren hoch in die Luft gleiten. Das Gleiche passiert in den Anden. … Und Mutterliebe ist überall zu Hause. Und Narzissmus ist überall zu Hause. Und Ostern und der Blick auf die gefüllten Nester. Und Kraniche, die in den warmen Aufwinden schlafen. … Und Peary der Polarreisende, inmitten eines Harems aus Pinguinen und Inuitfrauen. Pelz gewendet, unberechenbar und eitel. Mit einem eisernen Kreuz in seiner Brust.
Mathias Deutsch, Januar 2010

Frank Kästner

Thu, 4 Mar 2010 19:00:55 +0100

»Installation«

Der Berliner Künstler Frank Kästner stellt in seinen Installationen die vertraute Welt der Dinge auf den Kopf. Entscheidend für den Arbeitsprozess ist das Kombinieren und Umformen von Gegenständen, Materialien und Vorgängen. Die poetische Stimmung der Arbeiten, ihre bisweilen bezaubernde Wirkung, täuscht Harmlosigkeit nur vor. Für das Westwerk in Hamburg hat der Künstler eine neue Installation realisiert.

Kurzbiografie

1966 in Rastatt geboren
1987—1995 Studium der Freien Kunst an der HfbK Hamburg
1995—1996 Stipendium des Deutschen Akademischen Austauschdienstes in Polen
1996—1997 Stipendium des Deutsch-Französischen Jugendwerkes in Paris
Lebt und arbeitet in Berlin

Silja Ritter & André Wnendt

Thu, 18 Feb 2010 19:00:14 +0100

»Mami, was ist denn Liebe?«

Der Wahnsinn und die Liebe — verschlüsselt in
Blumenmustern,Wolken und kreisrunden Formen

»Mami, was ist denn Liebe?“ von Silja Ritter ist eine beunruhigende Ausstellung. Ihre Bilder lösen einen leichten Schwindel aus und offenbaren mutig die bittere Süße des Lebens mit seiner innewohnenden Ironie.

»Auf einem Bild möchte ich jede Möglichkeit sehen, bevor ich mich entscheide.« Ihre Arbeitsweise ist intuitiv und prozessorientiert. Ein bisschen Action Painting, ein bisschen Pop, ein bisschen Dekoration. In einem offenen, spielerischen Prozess verbindet Sie freie malerische Gebilde und Grundformen, Elemente der Comicästhetik, Ornamente und Schriftzeichen zu komplexen Kompositionen.

Anna-B & Band

Sat, 6 Feb 2010 12:01:06 +0100

Anna sagt: »Wir sind eine neue Hamburger Coverband und möchten Ihnen im Rahmen unserer Promotionveranstaltung an diesem Abend einen kleinen Eindruck unseres Repertoires aus dem Bereich Rock/Pop vermitteln. Wir freuen uns auf Sie!«

Alfred Schulze Rieping

Thu, 4 Feb 2010 19:00:14 +0100

»Lichtbildkunst«

Photographische Arbeiten 1978—2010

Abseits der mittlerweile marktbeherrschenden und überall gebräuchlichen Digitalfotografie widmet sich Alfred Schulze Rieping weiterhin mit Leidenschaft und großem handwerklichen Können der analogen Lichtbildkunst.

Plakatgroße Handabzüge in feinen Grauabstufungen und Farbnuancen sowie entschiedenen Kontrasten zeigen Themen- und Werkgruppen, die seit den 70er Jahren entstanden sind: »Portraits«, »Reine Natur: Elemente«, »Menschen und Arbeitsplätze«, »Inszenierungen«, »Lebkuchenbauten«, »Übertragungen und Verfremdungen«. Seine neuesten Lichtbildserien »Farblichter« und »Pures Licht« eröffnen eine weitere Dimension abstrakter Fotografie in reiner Farbigkeit.

Kurzbiografie

1944: geboren in Vorhelm, Münsterland
1962–65: Fotografenlehre
1965–66: Studium an der Werkkunstschule Darmstadt
1966–69: Studium an der HfbK Hamburg
1969–71: DAAD-Stipendium in London
1973: Lehrtätigkeit als Kunsterzieher
seit 1978: freischaffender Künstler

Veröffentlichungen in diversen Printmedien  (SPIEGEL, STERN, ZEIT-Magazin)

kunstlabor

Sat, 30 Jan 2010 22:34:58 +0100

Hamburger Schülerinnen und Schüler realisieren eigene Ideen und Projekte — inspiriert durch die Arbeiten von Katharina Fritsch — und präsentieren diese im Westwerk.

Mit den Künstlern Sabine Flunker und André Lützen

Eine Kooperation mit den Deichtorhallen Hamburg.

Die Jugendlichen haben die Möglichkeit, die Arbeiten von Katharina Fritsch (Ausstellung 06.11.09–07.02.10 in der großen Deichtorhalle) unter Anleitung genau zu untersuchen, zu studieren, zu erforschen. Wir möchten den Jugendlichen zeitgenössische Arbeiten »begreifbar« machen, sie ermutigen, sich einen eigenen Zugang zu den ausgestellten Werken und so zur zeitgenössischen Kunst zu erarbeiten.

In einer Kooperation zwischen den Deichtorhallen Hamburg und dem Westwerk wird zu einer aktuellen Ausstellung in den Deichtorhallen zusammen mit Jugendlichen ein Kunstlabor im Westwerk eingerichtet. Die jungen Künstler lernen einen etablierten, international renommierten Ausstellungsort (Deichtorhallen) sowie eine »Off-Galerie« (Westwerk e.V.) kennen.

Ausgangspunkt und Ansatz für dieses Pilotprojekt, das zukünftig jeweils begleitend zu den aktuellen Ausstelllungen stattfinden soll, sind die »dreidimensionalen Bilder« von Katharina Fritsch, die geradewegs dazu einladen, ein Kunstlabor zu eröffnen. Die Jugendlichen erhalten eine spezielle Führung durch die Ausstellung von Katharina Fritsch und können unter fachlicher Anleitung die Arbeiten untersuchen und erforschen.

Im Ausstellungs- und Arbeitsraum des Westwerks wird dann über fünf Tage zusammen mit den Dozenten André Lützen und Sabine Flunker das Kunstlabor eröffnet. Hier können die Jugendlichen über die Auseinandersetzung mit der Ausstellung in den Deichtorhallen eigene Ideen entwickeln, eigene Werke entstehen lassen. Das Material wird gestellt, die Arbeitsplätze werden von allen gemeinsam eingerichtet. Abseits des Schulbetriebs, eingebettet in eine kreative Umgebung, in der die jungen Künstler ihren Arbeitsplatz selbst gestalten, kann eine nachhaltige, künstlerische Arbeit stattfinden.

Zum Wochenende wird der Arbeitsraum gemeinsam in einen Ausstellungsraum verwandelt und die Arbeiten einer interessierten Öffentlichkeit präsentiert. Die Jugendlichen sind anwesend und können nun ihre Erfahrungen weitergeben und wiederum anderen ihre Arbeiten zugänglich machen. Sie entwickeln sich vom Rezipienten zum Kommunikator, vom Betrachter zum Künstler.

city-weekend-activism

Fri, 15 Jan 2010 19:00:17 +0100

Reading Room:

###_quartieren_### lädt zu einer Hamburg-Tour mit dem Stadtaktivisten und Lefebvre-Forscher Marcelo Lopes de Souza aus Rio de Janeiro (Brasilien) ein. Die Gruppe fährt ein paar Stunden durch Hamburg und guckt sich Orte an, die für Segregation stehen und Orte, an denen Leute sich das Recht auf Stadt nehmen und Orte, an denen Leute sich das Recht auf Stadt schon lange genommen haben. Anschließend können im Leseraum der >projektgruppe< passende Videoschnipsel gesichtet werden.

Treffpunkte:
12 Uhr: U-Bahn Feldstraße
19 Uhr: Reading Room, Admiralitätstraße 74/ Vorderhaus, 1. Stock

Anja Huwe

Thu, 14 Jan 2010 19:00:01 +0100

»Listen to the pictures«

»Meine Arbeiten sind Musik — meine Bilder kann man mit den Augen hören.« Anja Huwe

Ihre Art, Musik visuell darzustellen, präsentierte sie bisher mit großem Erfolg hauptsächlich in New York, aber auch in ihrer zweiten künstlerischen Heimat Großbritannien. Sie nutzte bisher bewusst und fast ausschließlich so genannte Off-Locations, offenen und öffentlichen Raum, der Improvisation und Bewegung zulässt.

Anja Huwe, vor vielen Jahren Musikerin der Kultband X mal Deutschland, folgt als Synästhetikerin konsequent ihren »gekoppelten Sinnen« — der Verbindung von Augen und Ohren, dem Sehen und Hören. Wie klingt ein Blau? Welchen Ton schlägt Rot an? Was erzeugt Harmonien, was Dissonanzen? Ihre Form und ihr Ausdruck der Synästhesie ist der permanente Austausch zwischen allen Ebenen und Dimensionen, ist Bewegung im Raum und lässt sich nicht limitieren. Die beeindruckenden Formate sind nicht gegenständlich. Anja Huwes Arbeiten bestehen ausschließlich aus Punkten. Sie vermag es, mit immer der gleichen Technik unterschiedlichste Assoziationen auszulösen.

»Ich beschränke mich bewusst auf die absolute Urform, selbstverständlich entstehende Muster, Punkte und Kreise, scheinbar natürliche Strukturen, Fraktale und Cluster, visuelle Melodien«.

Die Arbeiten oszillieren dabei im Raum, und je nach Betrachtungswinkel und Lichtstimmung erschließen sich Akkorde, Strophen, Rhythmen und Strukturen. Durch Lichtsetzungen arbeitet die Oberfläche des Bildes, verändert sich und bekommt immer neue Facetten und Tiefen.

Das gilt ebenso für die erhabene Struktur, die Haptik der Farbpunkte. Sie werden durch Licht und Farbe lebendig und transzendieren — scheinbar. Anja Huwes großflächige Arbeiten verleiten dazu, angefasst zu werden, um sie, im wahrsten Sinne des Wortes, zu »erfassen«.